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1/6/2008 ANNUAL MUSIC CHART: 60 ALBUMS OF 2007 1. Radiohead - In Rainbows : Una vez mas una de las mas grandes bandas del siglo pasado a sobrepasado las espectativas y roto con lo moldes que ellos mismos antes habian creado. In Rainbows es el séptimo álbum de estudio del grupo musical británico Radiohead. El álbum fue lanzado inicialmente el 10 de octubre de 2007 como una descarga de ficheros MP3 sin ninguna protección DRM y permitiendo pagar al usuario la cantidad que creyese conveniente. Radiohead have made a record. So far, it is only available from this website. Con estas palabras, la banda firmo uno de los desplantes mas importandes e historicos a la industria discografica. Desafiando todas las leyes de mercado, el séptimo disco de estudio de Radiohead no fue lanzado en formato fisico sino que se ofrecio a traves de su site. http://www.inrainbows.com/ La gente de Radiohead ha optado por profundizar en su raíces desde el rock distorsionado de Pablo Honey a la angustia existencial de y la electrónica experimental de Kid A, ha mecido sus canciones en un cóctel orgánico que suena más humano que nunca, le han añadido una poderosa sección rítmica, y de ello han salido 10 joyas con diferentes texturas pero mismo sabor que componen un disco homogéneo que sin duda se sitúa entre lo mejor de la banda. Las canciones son todas excelente, desarrollando un mundo sonoro y lírical creado en etapas. Cada sonido en cada canción tiene razones de ser. Son como estratos sonoros mezclados para crear hermosas armonías que a veces chocan entre si. La música y la voz son mezcladas perfectamente, y forman una pareja maravillosa. Dando vida a temas únicos, canciones que comienzan en digital y terminan con un piano, como el disco en si que nos da la bienvenida con un claustro de sonidos digitales, y se despide con una transición instrumental a digital simplemente hermosa. A pesar de su fuerte carga postmoderna puede llegar a seducir varios oídos permitiéndoles degustar un poco más el post-rock, pues las composiciones son hermosas, las melodías buscan la belleza y algunos traces proveen un intensa experiencia sonora como “15 Step” con su breakbeat y su poderoso bajo o “Bodysnatches” con su complejo esquema rítmico y una fuerte dosis de psicodelia en las guitarras de Johnny Greenwood. La piedra angular del disco es 'Nude', una estratosférica composición que destila calidez gracias a un aroma trip hop, un bajo penetrante y una melodía que te arrastra hacia otro mundo. Desnuda, empática, brillante, es una de las piezas más arriesgadas del disco, que al lado de 'Weird Fishes/Arpeggi' o '15 Step', mucho más deudoras de su propio sonido exhibido en Hail To The Thief, encajan en la intención ya explicada de mantener las coordenadas expuestas pero ensanchar las miras. El resto del In Rainbows gira en torno a temas más lentos con efectos atmosféricos para las voces de Thom Yorke, guitarras minimalistas y bajos que marcan las cambios en las secuencias electrónicas. Incluso se incluyen algunas bellas orquestaciones como en "Faust Arp".  2. LCD Soundsystem - Sound of Silver : Nueva York ha resurgido, y desde luego una de las personas responsable de ello es James Murphy artífice de LCD Soundsystem. Tras convertirse en los salvadores de la escena electrónica hace dos años gracias a temazos como 'Tribulations' o 'Losing my edge', LCD Soundsystem vuelven con 'Sound of silver'. Junto a ellos, otros grupos de indie rave o new rave, como !!! o Klaxons, están haciendo bailar a los rockeros. Con Sound of Silver, su nueva entrega, Murphy nos recuerda que tiene la capacidad y el talento para inventarse y reinventarse a sí mismo, a su banda y a su estilo. Como él bien lo explicita, su música es punk/funk/disco-house, una patada a los parámetros cómodos del pop y un claro manifiesto de que lo bueno de la historia de la música debe recuperarse para así crear algo completamente nuevo. Es exactamente en este último punto, el de la novedad, en donde hay que buscar a estos nuevos LCD Soundsystem e intentar validarlos, ya que si bien Sound of Silver nos puede hacer recordar el anterior trabajo de la banda, hay que pensar la inventiva de Murphy como una propuesta a largo plazo. Asi, este nuevo compendio de canciones de LCD Soundsystem no deja de sorprender y de ser una grata explosión de baterias protagonistas, bajos sintetizados y guitarras robadas del punk, junto al peculiar timbre vocal de Murphy que lleva el timón de los tracks de manera casi permanente conformando líneas melódicas que se alejan de fórmulas aseguradas, para lograr una atmósfera que atrapa al oyente y que da coherencia a los tracks. Ellos cierran una circularidad sonora que hace pensar que, sea cual sea el estilo que inventaron, lo inventaron bien.  3. Bjork - Volta: Volta es una apuesta por la sencillez de las músicas antiguas: ritmos claros que a veces nos recuerdan a las marchas militares y a veces a las danzas tribales. Björk ha comentado que se debe a su descubrimiento de una visión menos religiosa y más científica del ser humano. Su recategorización como animal ante todo, realidad de la que nos suelen alejar las filosofías.
La vanguardista islandesa, tiene ese sello particular, de innovar en cada placa, ya demostrado en "Medúlla", que fue realizado completamente por voces, sin ningún instrumento, invitando a Rahzel que realizo las bases con Beat Box y además fue parte el hiperquinético Mike Patton. Toda esta frescura innovadora continúo en la senda creativa de Björk y "Volta" no es la excepción, desde la primera hasta la última nota se aprecia la conceptual estampa sonora de la cantante. Bailable y alegre, con interludios que mezclan canciones con los sonidos de barcos que zarpan y echan anclas, sirenas en la niebla, aves marinas y el sonido de un tren, “VOLTA”, el último capítulo en la cambiante carrera de Björk, que supone un nuevo despegue para la artista. Estamos frente a un finísimo trabajo en bajo y en percusiones así como también en la estructuración de todas las voces en juego, siguiendo la astucia de su disco anterior Drawning Restraint 9 (OST 2005) y del mismo Medùlla. Las sintetizaciones más agresivas pueden llegar a ser incluso bailables, mientras que la orquestación, esta vez casi sin cuerdas, está protagonizada por un vasto conjunto de trompetas e instrumentos de viento que recuerdan aquellas canciones de Selmasongs (OST 2000), de Debut y de Post (1995), cuyo tema ‘I miss you’ encierra varias claves para entender el nuevo álbum. El arpa, constante piedra angular de su discografía y cuya máxima expresión es Vespertine, también tiene una presencia en ‘I see who you are’ y en ‘My juvenile’ (con la voz de Antony acompañándola). De esta manera, Volta es un disco que posee varios estilos mezclados y revueltos, desde el hip hop a la orquestación, desde el R&B a la ópera, desde la indietrónica hasta el melodrama, sin reposar sobre ninguno en preponderancia sino sobre la idiosincrasia de esta extraña criatura, cuyos gustos siempre avecinan lo que las generaciones pop venideras podrán digerir de manera más fácil. Porque, es cierto, los discos de Björk son difíciles y poco digeribles.
 4. UNKLE - War stories: A 4 años de distancia de “Never, Never Land” y a casi diez de su aclamado debút “Psyence Fiction”, James Lavelle toma una vez más las riendas de el proyecto que inició en 1998 al lado de Dj Shadow, y que ha logrado reunir a colaboradores de la talla de Thom Yorke, Richard Ashcroft, Ian Brown y Gavin Clarke a lo largo de casi una década. En “War Stories”, los colaboradores que acompañan a Lavelle no le piden nada a las alineaciones anteriores. Basta nombrar a Ian Atsbury de The Cult en “Burn My Shadow” y “When Things Explode”, a Josh Homme de Queens Of The Stone Age en “Restless” y a 3D de Massive Attack en “Twilight” para darnos una idea del calibre de esta producción.
La innovadora fusión de electrónica, hip hop, y rock experimental que le valió a U.N.K.L.E. el reconocimiento generalizado por parte de la critica musical en su primer álbum, está de vuelta con “War Stories”, una placa que a diferencia de sus predecesoras ofrece al escucha un sonido más digerible y con buen balance entre las bases rítmicas generadas a partir de percusiones orgánicas y beats generados con sampleos y programaciones digitales. El resultado final de esta disco retrata la obscuridad que vivimos estos días y la forma en la que frecuentemente ni siquiera la percibimos. Pero que a pesar de todo, siempre nos afecta. Hay depresión, hay melancolía, hay amor y también mucha carga espiritual en el sentido de que la vida va retribuyendo a todas tus acciones de una forma consecuente. Quizá para algunos este disco no tenga el mismo impacto que cuando se debutara con Psyence Fiction pero creo que con tiempo se podría ver como una obra clásica de la talla de Mezzanine de Massive Attack, el Maxinquaye de Tricky u otros, sólo que en un contexto nuevo y distinto. Como resultado de ello nos da una colección de canciones vanguardistas llenas de energía que te enganchan desde el primer minuto del disco para no soltarte jamás.  5. Amy Winehouse - Back to black: Heredera de infinidad de sonidos retro, Amy Winehouse no hace sino confirmar el talento, la heterogeneidad de registros y la riqueza sonora que demostrara en su disco debut. Si con 'Frank' sorprendió a propios y extraños y se atiborró de premios y alabanzas, este 'Back To Black' no parece que vaya a cambiar la visión de esta chica.
Y es que de tal mezcla inteligente de gospel, soul y jazz sólo puede salir lo que sale, un disco grandioso. Si Christina Aguilera lo hace bien en "Back to Basic", Amy logro convertirse en una leyenda. Sí, es verdad que Winehouse no inventa nada, pero lo que reinventa lo hace mejor que bien, consiguiendo captar la atención desde los primeros compases de 'Rehab'. 'Back To Black' además supone un paso hacia delante en la senda de un sonido propio y característico del Reino Unido, que antes tenía entre sus principales estandartes a Craig David, Lilly Allen, Corinne Bailey Rae o Mys Dynamite y a la que ahora se une este nuevo talento. “Yo no quería hacer más jazz otra vez. Estaba aburrida de las estructuras de acordes complicados y necesitaba algo más directo. He estado escuchando mucha música de grupos de chicas de los cincuenta y los sesenta. Me gusta la simplicidad de aquella música. Da en la diana.” Se puede escuchar en la sutil referencia a las Supremes en “Back To Black”. Pero su búsqueda se extiende aún más allá. Mientras que los grupos femeninos de los sesenta por los cuales se ha sentido cautivada, contenían sus voces, Amy se libera con el estilo vocal de Aretha en “Just Friends” o en “Rehab”. “Love is a Losing Game” es una composición moderna puramente clásica: breve y empapada de emoción. Otros puntos álgidos del disco incluyen la canción inspirada en Nas, “Me and Mr Jones”, la hermosa “Wake Up Alone”, “I’m No Good”, la epifanía personal que nos habla de poder comportarnos tan mal como esos tipos que nos han causado daño y nos han dejado huella, y la cariñosa canción de estilo blues “Back To Black”.
6. Arcade Fire - Neon Bible: No es fruto de la casualidad que el título del nuevo disco de Arcarde Fire sea idéntico al de "la otra" novela de John Kennedy Toole, el malogrado autor de La conjura de los necios. Para quien lo desconozca, Toole se suicidó en 1969 tras la negativa de unos editores a publicar La conjura, libro que, consideraron, no trababa de nada. En 1980 conseguía el premio Pulitzer. Mucho tiempo antes, siendo todavía un adolescente, escribiría La Biblia de Neón, una crítica satírica de un pueblo dominado por el fanatismo religioso. Rodeados de este mismo halo de desgracia, tremendismo y dolor, y la apoteosis acústica que ya acompañó su disco debut, Funeral, regresan de nuevo los canadienses.
Las nuevas y emotivas canciones que se incluyen en esta Neon Bible fueron concebidas en una pequeña iglesia del siglo XIX situada a las afueras de Montreal, grabadas en directo al estilo de los viejos discos de los 60 y con la colaboración del legendario productor Bob Johnston (responsable del Blonde On Blonde de Bob Dylan o Songs Of Love And Hate de Leonard Cohen, por poner dos ejemplos). Como en Funeral, conforman el esqueleto musical del disco diversos instrumentos como organillos, bombos de metal, acordeones, flautas e, incluso, un órgano de iglesia. Como en su disco debut, detrás esos sonidos repletos de vitalidad y épica (bien entendida) encontramos una letras plagadas de historias oscuras y trágicas. Lo primero es entender que Neon Bible es muy distinto a Funeral (Merge, 2004), sin perder principios claves y acumulando la experiencia de los conciertos. Rayos desordenados disparados al cielo, un fino hilo de racionalidad bajo la urgencia y el frenesí, oscuridad desde el fondo y muchos segundos incendiados en un juego carnavalesco y alucinado. Pasión religiosa de blues y baladas que transmutan en corrientes de post-punk y new wave (menos ahora) y un pop sinfónico que puede recordar las ambiciones de Mercury Rev con el alboroto caricaturesco de Arhictecture in Helsinski. La comunidad de Arcade Fire sigue tomándose muy en serio, y se juegan el todo o nada, con una consistencia brutal que no da tiempo a los baches, cubriendo todo de una emoción instrumental que encuentra un faro lírico en Win Butler (guitarra y voz). Arcade Fire es único en su estilo pop-punk de múltiples influencias, pero esta vez lo han extremado, perdiendo elegancia y sutileza en el entramado total. Neon Bible se diferencia naturalmente de Funeral, porque no tendría razón emular un disco tan singular y porque significa un nuevo salto sin red.
 7. M.I.A. - KALA: Maya Arulpragasum, más conocida como M.I.A., es el ejemplo perfecto de que ahora se vuelve a llevar eso de samplear, aunque su caso sea particular por las influencias africanas y por tener un talento innato para cantar lo que la plazca. Mezclando ragga, hip hop, dancehall, grime, electrónica e incluso reggaeton, las canciones de M.I.A. son una avalancha que no respeta fronteras. Se pasea con total libertad por los estilos y se asegura de incluir en sus letras mensajes explícitamente críticos que apuntan contra las barreras sociales, los conflictos bélicos, la desigualdad, la injusticia y en contra de todos los atropellos a los derechos humanos que ella experimentó en carne propia mientras vivió con sus abuelos en Sri Lanka, en la más extrema pobreza -escapó de la guerra civil a India y luego a Londres, en donde entró en contacto con la música occidental-. Si con "Arular" (el nombre de su padre) consiguió acabar en boca de todos, ahora saca este "Kala" (el nombre de su madre) con gente tan opuesta como el archiconocido productor Timbaland o el ampliamente desconocido Afrikan Boy, por poner dos ejemplos. M.I.A., es una inglesa de ascendencia tamil que mezcla rap, dancehall, miami-bass, baile funk, música tradicional india y electro, todo eso acompañado con una estética tercermundista, letras combativas y un look "me cago en la elegancia" que está a años luz de la ostentación menemista de sus pares yanquis.
Kala suena tan bien como su predecesor, los arreglos electrónicos y las sintetizaciones están al servicio de cada tema y le dan un sustento, base sobre la cual las voces de M.I.A. se levantarán contra el enemigo que toma diferentes formas: el capitalismo, las diferencias raciales y en general todos los mecanismos de poder, incluyendo el mercado comercial que consume su música y la pone en las listas junto a Timbaland y asociados. Aunque ella no pueda entrar físicamente a EE.UU porque le negaron la visa, hits como ‘Boyz’ o ‘Birdflu’ luchan codo a codo con las producciones derivadas del R&B y del hip hop norteamericano. En ese sentido las reflexiones que la música de M.I.A. busca producir en el oidor se ven amenazadas, porque resulta problemático en ese contexto completamente mainstrem repensar las consecuencias de la colonización y de los monopolios culturales, ya sea para poner en entredicho el proceso de globalización o para arremeter contra los grandes íconos imperialistas. Sin embargo, mientras seguimos tratando de digerir las líricas y de reaccionar ante su arremetida feroz, ahí están los ritmos en ebullición que no permiten mirar hacia otro lado. La música de M.I.A. simplemente no puede dejar a nadie en aguas tibias sin ganas de moverse. Desde este punto, Kala continúa esa obligación musical que incita a la acción, aunque esta vez está más apaciguada.  8. Kanye West - Graduation: Graduation parece ser el definitivo intento de West de abrir el hip hop a nuevas audiencias intensificando su vertiente melódica. Uno de los principales problemas del hip hop es que no se puede tararear en la ducha, especialmente cuando es en un idioma diferente. Transmite mucha información, tiene muchas palabras, intensifica el ritmo con la rima, pero por todo ello satura a los no iniciados. Como si fuese consciente de ello –y quien lo va a ser si no él, que se ha hecho un nombre como productor del género- Kanye West construye sus temas con brutal intensidad melódica. Los raperos ortodoxos recurren a los grandes nombres del soul y el funk para crear las bases, pero West no tiene recato alguno en echar mano de un tema de Elton John o de Steely Dan. Más llamativo todavía, se atreve a poner al lado de tanta sofisticación y melodía el ritmo sintetizado de Daft Punk o el minimalismo experimental de los alemanes Can. Con ello saca al hip hop de la maraña rítmica y, al tiempo, lo hace más cosmopolita y lo acerca a otros géneros. West muestra una notable cultura musical y una muy destacable ausencia de prejuicios sonoros. Si además unimos la maestría en el oficio de la producción, estamos ante un disco más que sorprendente y un muy buen camino para iniciarse en el rap desde unos oídos pop. (Texto Héctor Fouce)
Kanye West va un paso más allá, en esa progresión que comenzó con su debut ‘The college Dropout’ y se llena de influencias un tanto eclécticas, se mezclan U2, Daft Punk o The Rolling Stones. Con la polémica suscitada por salir el mismo día que el album de 50 Cent (11 de Septiembre), Kanye afronta un importante 4º disco en solitario, con el que romper los records de ventas en todo el planeta. Para ello Kanye se ha rodeado de gente en alza, como Lil' Wayne o T-Pain, de expertos como Dj Premier en la producción, y ha experimentado incluso con Daft Punk. Es un disco sobresaliente, las producciones son increiblemente buenas (y sorprendentes algunas), e incluso se permite el lujo de experimentar con música electrónica. En definitiva que Kanye West nos ofrece un disco bastante creativo, fácil de escuchar y con melodías, algo que parecía muy difícil en el hip hop hasta hace poco tiempo. Total, que es muy recomendable.
 9. PJ Harvey - White Chalk: Después de 15 años de carrera, PJ Harvey cambia de registro y se arriesga con White Chalk, un álbum muy personal, melódico e inquietante, que se sitúa al opuesto de sus discos anteriores en los que reinaban las guitarras eléctricas y las baterías potentes. La “dama” del punk deja una vez más patente su talento y el inmenso potencial de su voz. No hay ni guitarra ni blues. Recién llegada al piano, lo convierte en el eje de una obra que apela al folk de cámara con una frialdad victoriana. Ella canta casi todo el rato con una voz de soprano adolescente y sus registros altos acentúan la sensación fantasmagórica y de viento helado que recorre los temas. En White Chalk da un giro radical de su anterior álbum Uh huh her. Este nuevo disco es básicamente de piano, con muy pocos elementos extras, y desprovisto de adornos en lo instrumental, abandonando casi totalmente las guitarras. Es un disco que engancha por su sobriedad, más que por su fuerza. En “White Chalk” se cuentan historias sobre notas suicidas y entierros de niños que han llegado a nacer. Está acompañada por su inseparable John Parish en labores de mano derecha y respaldada por un equipo reducido (Jim White y Eric Drew Feldman), que le cubren la espalda instrumental de forma casi imperceptible. Su voz alcanza los momentos más agudos de su carrera, dejando de lado sus tonos graves pero intensos. La propia PJ Harvey ha afirmado que aprender a tocar un nuevo instrumento ha provocado que se libere su imaginación. Así, el piano ha abierto una nueva vía de comunicación para la cantante de Yeovil (Inglaterra), donde los techos se mueven (en el single de presentación, "When Under Ether"), los dedos sangran ("White Chalk") y los martillos golpean a las familias desestructuradas ("The Piano"). White Chalk nos ofrece a una nueva Polly Jean. En este caso, sutil, vaporosa y sumergida en las brumas de la tristeza. Pero, en ningún caso, pierde la capacidad para emocionar.  10. Arctic Monkeys - Favourite Worst Nightmare: Si en el 2006 ocuparon el primer lugar del año con sus disco debut, en el 2007 no podian dejar de estar dentro de los 10 primeros. Si Whatever People Say I Am, That's What I'm Not había alcanzado tamañas dimensiones mediáticas, Favourite Worst Nightmare resulta su continuidad lógica. En sus 12 tracks, los Monkeys siguen apostando por su vieja fórmula: guitarras afiladas, arrebatos de post punk sincopado y fervorosos destellos como ‘Brianstorm’, un primer single que ineludiblemente recuerda a The Jam. También hay novedades: el tono intimista con que el cantante Alex Turner aborda un tema como 505 (con piano a la Ennio Morricone) y las excelentes líneas de bajo que imprime por pasajes el nuevo integrante Nick O’Malley. Todavía existen las letras astutas, si en el primer álbum “When the sun goes down” hablaban de un modo muy hábil acerca de la prostitución, ahora en “Fluorescent Adolescent” ya hablan de cómo la ‘madurez sexual’ es sinónimo de ‘amargura sexual’, en la pícara manera que siempre lo hacen “You used to get it in your fishnets /Now you only get it in your night dress /Discarded all the naughtiness for niceness /Landed in a very common crisis”, pero lo que ya no se puede encontrar en su segundo álbum son esas melodías valemadristas, como “Fake tales of San Francisco” o “I bet you look good on the dance floor”, ni su característico humor up-beat post-punk; Favourite Worst Nightmare se llena de elementos como lo oscuro, lo sombrío, lo confiado y lo emocional, logrando hacer lo callado, escandaloso. Favourite Worst Nightmare, es la manera en que tratan de demostrar que ya no son el grupo de adolescentes rebeldes que buscaba la suerte en los conteos de su MySpace. Con melodías poderosas, arraigadas en la estrepitosa saturación pero que al mismo tiempo cuentan con un orden pegajoso, que se puede convertir en hipnótico por los ritmos rimbombantes que se llevan a lo largo del álbum. Un poquito más oscuros y menos poppy que en su esfuerzo anterior, los Arctic Monkeys apuestan una vez más a la potencia de la clásica estructura rocker de bajo-guitarra-batería y a la desestructura particular que, como en una montaña rusa, altera constantemente su velocidad y recorrido en cada tema desdibujando cualquier horizonte de lo previsible. Sin impactar ni decepcionar, esquivan la presión de las expextativas con una inteligente actualización de su sonido.
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ANNUAL MUSIC CHART: 100 SONGS OF 2007WeblogMusic YEAR END 100 SONGS / SINGLES 2006  1. Earth Intruders - Bjork: Las más audaces sinfonías de los últimos diez o quince años han provenido de ella. Su música cala profundo en las receptoras almas. La belleza pareciera provenir de su cuerpo con serena limpieza, suntuosa. La sublimidad, la esplendidez discurre con persistente naturalidad en sus intrépidos discos. Ella, la más original de los artistas de las pasadas décadas, será amada, adorada –como es de corresponder- por los de seres humanos en el planeta. Su figura, su agujero en la historia del arte, su interferencia con el libre desarrollo de los hechos humanos, su islandesa palidez unida a la más sana y divertida década del siglo XX, la harán la más entera expresión artística del mundo pop. Tras haber realizado, y luego cubierto con ella, la más entera expresión musical de los noventa y la presente década, su nombre quedará coligado a la historia de las grandes aventuras humanas. Cuanto ha realizado desde 1993 la inmensa, aparatosa islandesa merece un juicio: ningún paso ha errado, su obra es inmaculada, su genialidad es desbordante. Oscura y majestuosa: Björk. Solo alguien con esta descripcion puede ocupar el primer lugar de año, genialidad como sinonimo de esta canción es una palabra que queda corta. El primer single de Volta es "Earth Intruders" y fue lanzado el 9 de abril de 2007 en las tiendas virtuales de música. El lanzamiento del sencillo en tiendas físicas será el 23 de mayo, ya que ahora estan siendo producidos los remixes que contendrán el mismo.
El vídeo fue dirigido por Michel Ocelot, quien dirigió la cinta de animación francesa Kirikou y la hechicera. Björk afirma que el protagonista del vídeo es el mismo Kirikou a la edad de 20 años. El también francés Michel Gondry dijo que dirigirá el siguiente video de Björk, que sera Declare Independence. En ‘Earth Intruders’ Una percusión tribal señala los espacios por los que irá experimentando la Islandesa. Voces hipnóticas que llevan el ritmo apresurado cuasi bailable, conjugadas con las características sintetizaciones de Timbaland, pero puestas al servicio de una expresión más pueril que el uso erótico que hasta ahora habían tenido con Timberlake y Furtado. El video dirigido por Michel Ocelot (Kirikou y la Hechicera) muestra una tribu de nativos que hacen referencia a las tierras del pacífico, visitadas por Björk tras el desastre del sudeste asiático que la inspiró fuertemente.
VIDEO: EARTH INTRUDERS - BJORK  2. Nude - Radiohead: es la tercera pieza y quizas la mejor del disco, y ya se conocía desde tiempo atrás, pues se remonta a la época del ‘OK Computer’, y aunque no entró a formar parte de aquel magnífico disco, Radiohead no se olvidó de ella en sus actuaciones. Dicho esto, conviene aclarar que no es, ni mucho menos, una cara B, y que su calidad es tal que no desmerece en absoluto de cualquier canción del ‘OK Computer’, y que bien podría situarse al lado de clásicos como ‘Let Down’ o ‘No Surprises’. En Nude la tristeza se acerca al jazz crooner, con un ritmo muy, valga la redundancia, downtempo jazz, aplicando violines y coros celestiales al final del track, melancólicos acordes sintetizados y delirante bajo, nos lleva a una estratosférica composición que destila calidez gracias a un aroma trip hop, un bajo penetrante y una melodía que te arrastra hacia otro mundo. Desnuda, empática, brillante, es una de las piezas más arriesgadas y oscuras del disco. Es emotiva, delicada y penetra en lo más profundo de la sensibilidad. VIDEO: NUDE - RADIOHEAD  3. Burn My Shadow - UNKLE: A la mitad del álbum, una joya. Burn my shadow es una obra de arte: Ian Astbury, de The Cult, presta su voz para ésta canción. Arreglos sólidos en secuencias rápidas, con una estructura majestuosa y una interpretación impecable: "I have burned my tomorrow, and I stand inside today. At the edge of the future, and my dreams all fade away.(...) Oh how I loved you." Una promesa de un mejor mañana, a costa de quemar el ayer; Burn my Shadow es una gran canción que exalta el trayecto y encanta al oído. UNKLE, con “Burn my Shadow” y la voz de Ian Astbury, en Novo. Un gran tema para un gran video. Al mismo estilo de “Rabbit in Your Headlights” de hace 9 años, el tema cantado por Thom Yorke pasaba a segundo plano, para mostrar una microhistoria de surrealismo urbano: un indigente se paseaba por un túnel con gran afluencia vehicular, indiferente a ser atropellado. Todo lo contrario, de algún modo inexplicable, éste personaje se había vuelto inmune a los choques al grado que es un automóvil el que vuela a pedazos al toparse con el protagonista. En esta nueva trama, un hombre soltero en plena crisis adulta, despierta en su apartamento de un modo rutinario, para darse cuenta de modo sorpresivo, que una bomba de tiempo está injertada en su pecho: los dígitos decrecientes le ofrecen al personaje muy pocos minutos para actuar o resignarse a explotar. En estos tiempos ya nadie compra la idea de que el futuro pueda ser un lugar mejor para vivir. Cada esfuerzo que se hace por mejorar el planeta va acompañado de cien más por exterminarlo. Lo cual nos deja mirando angustiosamente los minutos que nos quedan antes de que la bomba estalle en nuestras manos. Este sentimiento de incertidumbre se aborda en el video de “Burn My Shadow”, primer sencillo del nuevo disco de U.N.K.L.E. : “War Stories”, editado por el sello indie Mo' Wax Records. En el video dirigido por Miguel Sapochnik, un hombre despierta después de una larga noche de farra con un reloj en cuenta regresiva pegado a su pecho, conforme avanzan los segundos, el protagonista trata desesperadamente de entender las causas que lo llevaron a esa situación, sin darse cuenta de que en esos momentos vale mas apelar al instinto de sobrevivencia que al pensamiento racional. La analogía que hace esta escena Kafkiana, empata a la perfección con la situación actual del planeta, en donde el miedo y la incertidumbre son lugares comunes que se abordan a lo largo de 14 tracks que integran el regreso de James Lavelle al frente del colectivo de electro rock U.N.K.L.E. VIDEO: BURN MY SHADOW - UNKLE  4. No cars go - Arcade Fire: No Cars Go es la mejor canción del disco. Pese a venir del primer EP, la conversión es perfecta y la orquestación marca la diferencia. La forma sí importa, pese a lo que crea cierto movimiento de música puramente destructivo de los 70/80. No hay nada en absoluto que se le pueda reprochar a esta canción. Es curioso que sea lo mejor que haya hecho Arcade Fire sin ser totalmente nuevo (estaba ya en su ep homónimo del 2003). Simplemente, se puede decir que una banda puede desaparecer tranquila tras crear una aventura mítica de este calibre. Es su ideal estético de belleza llevado al máximo – niños creciendo en un mundo extraño, refugiados en sus fantasías con la fuerza fraternal del talento concentrado-, una suerte de Historia sin Fin, nostálgico, esperanzado, otro himno que no será generacional, pero sí magnífico para quien sea arrastrado por sus casi seis minutos de alegría. VIDEO: NO CARS GO - ARCADE FIRE  5. All My Friends - LCD Soundsystem: Canciones como Daft Punk Is Playing At My House y Tribulations quedaron en el recuerdo del año 2006 al convertirse en un rescate de la electronica newyorquina , LCD con su nuevo disco nos ha vuelto a brindar uno de esos grandes clasicos imposibles de olvidar, James Murphy ha escrito una de los grandes clasicos de la musica de este siglo. Es el gran momento del disco. All My Friends tiene todos los elementos de un himno, en lo particular, el mejor tema que han escrito, piano minimalista que da paso a una narración nostálgica y a dos guitarras que se engarzan en ir creciendo para llegar a un clímax. "All My Friends" parece efectivamente una declaración de unos LCD para todos los públicos. Elegida por muchas listas como la canción del año es casi casi un homenaje a New Order. VIDEO: ALL MY FRIEND - LCD SOUNDSYSTEM  6. Rehab - Amy Winehouse: Podrá ser mal hablada, estar psíquicamente mal, estar tatuada, yonki y todo lo que quieras, pero lo que también es cierto es que es la princesa del soul. "Escribo canciones porque estoy hecha mierda de la cabeza y necesito sacar algo bueno de toda esa mierda". Así se despacha la joven británica cuando habla de sus composiciones. Y fue siguiendo este método como creó su gran éxito, 'Rehab' (Rehabilitación), en el que cuenta sus dudas sobre si debería ingresar en una clínica de desintoxicación, después de que una ruptura sentimental hace dos años la empujara por la pendiente del alcohol. El 2007 ha visto a Amy establecida como una de las más grandes estrellas mundiales, tanto para los ojos de la crítica como comercialmente. El éxito permanente al tope de las listas en el Reino Unido ("Back To Black" solo ha estado fuera de los 10 principales del Reino Unido por una semana este año), se reproduce en los Estados Unidos, donde "Back To Black" ingresó a la tabla de los 100 álbumes principales de Billboard en el puesto número 7, convirtiendo a Amy en la artista debutante femenina británica con el puesto más alto en la historia de la lista de éxitos de los EE.UU. El álbum continúa disfrutando del inquebrantable éxito entre los 10 principales en los EE.UU. La respuesta de la crítica ha sido impresionante y Amy ha cosechado varios premios, incluyendo los siguientes: Brit, Ivor Novello, Mojo, Glamour y Elle Style. La londinense de 24 años también ha recibido nominaciones para los MTV VMA'S, el premio Nationwide Mercury Music y los premios MOBO & Q. VIDEO: REHAB - AMY WINEHOUSE  7. Icky Thump - The White Stripes: Nada más pulsar el play, vemos que esto va a ir en serio. “Icky Thump” nos enseña que han madurado, que dominan el estilo, los cambios de ritmo. La instrumentalización es simplemente grandiosa. El riff intermedio, demoledor. The White Stripes están dispuestos a demostrar con este Icky Thump que están muy por encima de las expectativas y que no necesitan de nadie más para llegar directos al público más exigente. Jack sigue con su guitarra y la mirada más perdida que nunca. Meg prefiere continuar con su imagen de niña cándida y dejar su lado más salvaje para cuando golpea la batería. Sin duda "Icky Thump" supone una vuelta de White Stripes por todo lo alto. Tras la sofisticación melódica que registraba "Get Behind Me Satan" la banda apuesta por una regresión a su espiral de rock básico y turbador, con mayor profusión de teclados e instrumentos folclóricos combinados con altas dosis de rabia guitarrera. Los rumores de disolución han estado ahí, así que veremos lo que dura la banda, pero mientras tanto, a disfrutar. Destaca el preciso riff de guitarra, lo irregulares solos de órganos y la voz de Jack aullando sobre un yanqui que cruza la frontera a México, conociendo "redhead señoritas", con alguna que otra crítica al estadounidense intolerante (Hey, americanos, ¿no tienen nada mejor que hacer?/¿Por qué no se echan a ustedes mismos? Son inmigrantes también).
VIDEO: ICKY THUMP - THE WHITE STRIPES  8. D.A.N.C.E. - Justice: Justice es un dúo francés de música electrónica compuesto por Gaspard Augé y Xavier De Rosnay. Son el grupo más exitoso de Ed Banger Records, y son representados por el director de la discográfica, Pedro Winter ("BusyP"). Su marca registrada es una larga cruz luminosa que brilla durante sus shows. Un grupo controvertido entre los fanáticos de la música dance, conocidos por incorporar un fuerte influencia rock a su música e imagen. El disco comienza como en la biblia con el Genesis una intro que parece sacada de una película épica, seguido de Let There Be Light, con el tema D.A.N.C.E hacen una especie de tributo a Michael Jackson con la utilización de un “coro de niños” y la utilización de frases procedentes de canciones del americano. Una de las canciones más pegadizas de 2007 viene de la mano con uno de los videos más llamativos del año a cargo del dúo francés compuesto por Gaspard Augé y Xavier de Rosnay. Con diversas y coloridas tipografías, las inscripciones de numerosas remeras aparecen, desaparecen y hasta interactúan entre sí.
VIDEO: D.A.N.C.E. - JUSTICE  9. The Pretender - Foo fighters: The Pretender, es el primer single del álbum Echoes, Silence, Patience and Grace del grupo norteamericano Foo Fighters. El single salió a la venta en iTunes Store el 8 de agosto de 2007 antes que saliera en las tiendas de discos.La Canción sera parte del soundtrack del videojuego Tony Hawk´s Proving Ground. En una entrevista con XFM, Dave Grohl explico de forma corta el significado detrás de "The Pretender". Segun el, las raices del tema se deben a la actual inestabilidad politica.
"Eso es lo que pasa con las letras, uno nunca quiere regalar los detalles, porque es bueno para las personas tener su propia idea o interpretación de la canción. Pero, todo el mundo ha sido (censurado) antes y creo que mucha gente se siente (censurado) en este momento y no están recibiendo lo que se les prometió, y tiene algo que ver con todo esto. Grohl también dijo a XFM que "The Pretender", no se había previsto inicialmente para el álbum y todo sucedió muy rápidamente. "Esta canción no se hizo hasta despues de las sesiones. No fuimos directamente a grabar el disco con esa canción, la agregamos despues de haber grabado mucho material. Antes de llegar a ese punto, no sabía si había una buena canción de apertura o no. Por lo tanto, después de que lo grabamos, pensé, oh, esto es perfecto, tenemos la canción para abrir el disco, y se convirtió la canción favorita de todos. ...Es el tipo de canción que espero ansioso para abrir los shows. Hicimos esta canción juntos en, no se, un día, mientras que rn muchas de las otras canciones trabajamos por semanas".
VIDEO: THE PRETENDER - FOO FIGHTERS  10. Brainstorm - Arctic Monkeys: no solo es el primer sencillo de Favourite Worst Nightmare, es la canción con la que los Arctic se dejan caer a la alberca con tiburones, ya que de este sencillo depende como será aceptado el segundo álbum; si comienzan a escribir nuevas canciones y organizar nuevas giras que los llevarán a la gloria o terminarán sirviendo pintas de lager en un oscuro pub de Sheffield, contando sus glorias como rockstars efímeros del MySpace a borrachos que ponen a Oasis en la rockola. Es un gran sencillo, sin duda de los mejores de la primera mitad del año. Es suficientemente rápido, duro y al grano. De alguna manera los Arctic Monkeys saltan del sonido del 2006 al sonido del 2007 con cierta facilidad en la primera parte del disco, mostrándonos una sección rítmica muy bien amarrada y potente. Los Arctic Monkeys trazan un paralelo con los Stones acerca de su propio cisma. La letra de “Brianstorm” comienza con una violenta demostración de lo que las estruendosas, esenciales y enojadas guitarras de Alex Turner y Jamie Cook pueden hacer, “Brian /Top marks for not tryin' /So kind of you to bless us with your effortlessness /We're grateful and so strangely comforted”, es una cruda crítica hacia “alguien” que no aguantó lo suficiente en esta pesada ruta hacia el estrellato; quizá el nombre de Andy Nicholson surja si este track se escucha al revés, ya que Andy dejó la banda por “una fatiga extrema causada por la extenuante gira”, pues “…Well see ya later Innovator!”. “Brianstorm”, describe también a un personaje, que responde por el nombre de Brian, aquel engreído poser, que entra a cualquier cuarto pensando que es requerido en ese preciso momento, en su cabeza todas las mujeres mueren por el y todos los hombres lo imitan; saco, corbatas delgadas y Air Force son adjetivos con los que reacciona, en el instante que se liga a una bella jovencita, en busca de un efímero pero satisfactorio encuentro, toma su mano, la besa y se presenta “Storm, Brian Storm”.
VIDEO: BRAINSTORM - ARCTIC MONKEYS COMPLETE LIST
4/2/2007 WeblogMusic YEAR END CHART 2006
VIDEO: Crazy - Gnarls Barkley 2. Steady, As She Goes - The Raconteurs: El disco debut de este super grupo es una amalgama de sonidos en perfección, en el single “Steady, As She Goes”, pieza con minimalista riff de cruda y distorsionada guitarra a lo Dave Davies (Kinks) o Larry Parypa (The Sonics) tras unos retazos bluesy, una poderosa sección rítmica en la fibrosa interacción entre bajo y batería, teclado beatleiano y estribillo pop con una atractiva combinación vocal entre Jack y Brendan. “Steady as she goes”, es de las piezas más disfrutables por sus guitarras electrizadas y armonías vocales bien trabajadas en los coros, que a momentos es reminiscente de “You’re pretty good loking (for a girl)” de los Stripes. VIDEO: Steady, As She Goes - The Raconteurs
3. When the Sun Goes Down - Arctic Monkeys: 'When The Sun Goes Down' es uno de esos milagros que no se suceden con frecuencia. Derepente, de la nada, alguien compone algo maravilloso y lo regala al resto de los mortales. Sólo con las primeras notas de guitarra, uno sabe que esa canción sonará en su reproductor en los próximos meses. Asi con este single y unos mas los Monos del Artico se convirtieron en el milagro ingles del año. VIDEO: When the Sun Goes Down - Arctic Monkeys 4. Chasing Cars - Snow Patrol: Con la canción de amor más pura, que hasta ahora Gary Lightbody ha sacado de su puño y letra, Snow Patrol está en pie de guerra :"esa es la canción más abierta y pura de amor que hayamos compuesto", afirma Lightbody. Asi Chasing Cars se convirtio en el 2006 en el himno de amor mas escuchado y sonado en todas partes. Es la banda británica de Run, la misma que sorprendió porque, sin grandes mamparas de promoción, se fue acomodando en miles de tímpanos que se han vuelto adictos a su melancolía, a esa forma casi sinuosa de entender y explicar y el amor que tiene Snow Patrol. Asi esta canción épica que a algunos nos recuerda a los primeros temas de Radiohead se convirtio en el emblema de la banda este año y la mantuvo meses al tope de los chart mundiales, incluso dentro del top ten billboard, algo casi imposible para las bandas britanicas. VIDEO: Chasing Cars - Snow Patrol
5. Harrowdown Hill - Thom Yorke: En “Harrowdown Hill” combina un bajo casi funk con beats oblicuos, una gran línea de voz y unas texturas granulosas como las de Boards of Canada pero en versión malrollista. En ella se recuerda la trágica desventura del dr. David Kelly, inspector de las Naciones Unidas y asesor del gobierno británico que estuvo en Irak y, al parecer, fue el responsable de que llegara a la BBC el soplo de que las denuncias de grandes y temibles armamentos en manos de los iraquíes eran una calculada mentira para justificar invasión y matanza. Por esta acción fue acusado y presionado duramente por el gobierno inglés, hasta que una mañana misteriosamente se “suicidó”. Pero más allá de que por su temática ésta es la canción destinada a causar mayor repercusión mediática y la que ha imantado la catarata de preguntas en las entrevistas, lo cierto es que el clima general de las letras está impregnado por la tristeza y la melancolía, propias ya de Radiohead pero que aquí asoman con un grito de estilización; se trata del malestar, el desacomodamiento y la frustración que causa vivir en los tiempos que se vive, y que se arrastra en las comidas, los paseos y los sueños. VIDEO: Harrowdown Hill - Thom Yorke
6. The Saints Are Coming - U2 & Green Day: ¿No es un sueño hecho realidad? “The Saints Are Coming” es el nombre de la canción con la que U2 y Green Day se han unido en contra del gobierno Bush y de su reacción ante la catástrofe del huracan Katrina en Nueva Orleans. Dos de las bandas mas grandes de la historia de la música y quizas las dos mas importantes de la actualidad juntas en una sola canción. “The Saints are coming” es tema original de la banda escocesa The Skids, cantado a dúo por U2 y Green Day grabada para ayudar a restituir los instrumentos que los músicos de Nueva Orleáns perdieron durante el Huracán Katrina y que fue incluido como parte del proyecto 'U218 Singles' de la banda irlandesa, la cual se lanzó el 20 de noviembre. VIDEO: The Saints Are Coming - U2 & Green Day
7. 9 crimes - Damien Rice: 9 Crimes, el primer sencillo del disco "9", un himno al desencuentro, tonadas de pop delicado que van creciendo de forma, tan ampulosa como inevitable, hasta emocionar con un sonido intimista y cálido eso es "9 crimes". La voz de Lisa Hannigan empieza como una caricia y a mitad de camino esa voz - la de Rice - capaz de rasgar el alma con su gritos. VIDEO: 9 crimes - Damien Rice 8. I Don't Feel Like Dancin' - Scissor Sisters: Apoyados en su imagen y su petardeo, los neoyorquinos sorprendieron hace dos años con un debut que aliñaba glam y disco pop reivindicando los 80 más lúdicos y banales. Los guiños a Bee Gees, Abba o el sonido disco-funk permanecen, pero las hermanas tijera han postergado un tanto el baile para homenajear a Elton John uno de sus mayores fans. Si hablamos de pistas de baile no podemos ignorar a las “dioses” de lo irreverente, excesivo y retro-moderno, Scissor Sisters (alusión al acto sexual entre mujeres), nos han obsequiado con una canción propia del estilo de los Bee Gees, y que podría haber sido un éxito hace 30, 20, o 10 años, no solo podria ser la canción mas bailada del año sino tambien el tema mas gay del 2006. VIDEO: I Don't Feel Like Dancin' - Scissor Sisters 9. Suffer Well - Depeche Mode: Enérgico, distorsionado. Dave Gahan, autor del tema, y con la voz mas potente que nunca parece exorcizar viejos fantasmas de sobredosis de droga, excesos, muerte y desintoxicación: An angel led me when I was blind / I said take me back, I've changed my mind / Now I believe / From the blackest room, I was torn / He called my name, a love was born / So I believe [Un Ángel me guío cuando estuve ciego / Le dije llévame de vuelta, cambie de opinión / ahora creo / Desde el cuarto mas negro, estaba deshecho / Me llamo por mi nombre, un amor nació / Así que creo]. Depeche Mode nos tiene acostumbrados a trabajos excelentes pero esta vez exageran la perfección. VIDEO: Suffer Well - Depeche Mode 10. Ramblin' Man - Isobel Campbell & Mark Lanegan: Aunque es una afirmación muy recurrente, es cierto que los contrarios se atraen. El mundo de la música no es una excepción a esta regla. Los duetos entre artistas situados en coordenadas (supuestamente) alejadas han funcionado en multitud de ocasiones. Por un lado, la suave, angelical y femenina voz de Isobel Campbell y, por otro, la áspera, cruda y masculina voz de Mark Lanegan en un disco de un dueto soñado por muchos. El riesgo viene en algunas aventuras sonoras que ambos enfrentan con bastante profesionalismo, como en ‘Rambling man’ y su sonido a lo Tom Waits. Si bien es cierto que a Lanegan le faltan litros y litros de gárgaras con alcohol en su garganta para emular la voz de Mr. Waits, los inquietantes susurros de Isobel Campbell ayudan a darle matices a un tema que destaca por sobre el resto. VIDEO: Ramblin' Man - Isobel Campbell & Mark Lanegan
WeblogMusic YEAR END 50 MUSIC ALBUMS 2006 1. Arctic monkeys - Wathever people say i am, that's what i'm not (WeblogMusic): Pocas veces se había visto un plebiscito tan grande a favor de una banda en la prensa inglesa. Un periódico los llamó “la banda más importante de nuestra generación” y colocó su primer disco “Whatever people say I am, that’s what I’m not” como el quinto mejor disco en la historia del rock británico –todo esto durante la primera semana que la producción salía al mercado... El grupo británico de rock Arctic Monkeys, un fenómeno comercial de la generación multimedia y con un primer álbum que ha sobrepasado todas las cifras de ventas en una semana, es uno de los muchos ejemplos que demuestran que Internet no es el mal que está acabando con la industria del disco. Estamos ante un álbum despojado de ornamentaciones y sobreproducciones. "Whatever People Say I Am, That's What I'm Not" suena a puro directo. Como en las primeras tomas de contacto con los debuts de The Strokes o The Libertines, The Arctic Monkeys despiertan ese gusanillo de los discos que contienen canciones irrepetibles.
2. Gnarls Barkley - St. Elsewhere (WeblogMusic): Gnarls Barkley exprime ritmos llenos de sensualidad, libido y vigor tan bien como lo hace con los que trasmiten dulzura y nostalgia, armando un esqueleto perfecto de soul, funk, hip - hop, rhythm ‘n blues, coqueteando con maestría con todas sus influencias sin intentar disfrazarse o encasillarse en alguna de ellas. De eso se trata su trabajo St. Elsewhere, que se ubica en la línea de la pseudo-modernidad, una dosis que intenta confundirte o engañarte por completo mientras tratas de encontrar la salida entre fragmento-bosque de coros apocalípticos y la contundente voz de Cee–Lo como maestro de ceremonia, que tampoco te deja escapar. El single de presentación del disco, la explosiva “Crazy” (algo así como Bobby Womack cantando el “Unfinished Sympathy” de Massive Attack), es solamente la punta de lanza de un disco plagado de hit singles. A “Crazy” le siguen de cerca esa locura Motown que es “Smiley Faces”, el outtake de “Kill Bill Vol.1” que parece “Just Thought” o el soul comercial rompepistas de “The Last Time”.
3. Thom yorke - The eraser (WeblogMusic): “The Eraser” es el esperado debut como solista de Thom Yorke, cantante y líder de Radiohead. La voz de Thom suena más triste y afectada que nunca y tiene un protagonismo aún mayor que en los discos de la banda, mientras que la música que la acompaña es netamente electrónica, compuesta y ejecutada por él mismo con una laptop. Las letras hablan de historias tristes y desengaños amorosos. “The Eraser” es, como se esperaba, un disco introspectivo donde la suma de la voz, las letras y los beats electrónicos –con algunos sonidos de guitarra y piano-, generan una interesante combinación que hace pensar en Thom Yorke como la versión más actual de un songwriter. Un cantautor con una fuerte identidad que, más allá de su timbre inconfundible y lejos de recurrir a la guitarra como instrumento dominante, halla justamente esa particularidad en la combinatoria de su voz con esos paisajes sonoros. Thom Yorke se ha erigido, por méritos propios, en el abanderado del angst existencial y urbano del nuevo milenio y en The Eraser está más cerca que nunca de plasmar en música esa desazón vital, esa alienación del hombre moderno tan presente en su obra pretérita. No cabe duda entonces de que este trabajo es más un exorcismo personal que una artimaña comercial. En cuanto a las letras, el propio Yorke se ha encargado de declarar ni bien pudo (El País de Madrid publicó una larga entrevista al respecto), que Tony Blair se asemeja a aquel viejo rey y conquistador inglés que, llevado por su locura, intentó detener las mares, escena que inspiró finalmente la tapa de The Eraser con su muñequito patético. En este sentido es la lírica de “Harrodown Hill” la más significativa.
4. The Raconteurs - Broken Boy Soldiers (WeblogMusic): Jack White se ha unido a su amigo de Detroit –y afamado compositor de pop- Brendan Benson y han compuesto junto a Jack Lawrence y Patrick Keeler del grupo de Cincinatti The Greehornes ( quienes estuvieron en el disco de Loreta Lynn Van Lear Rose ) una serie de temas que no dejan indiferente a nadie. El resultado es una banda de pop con tintes garage rock un tanto revival marcada por el morbo y la suspicacia de escuchar a White acompañado por un bajo. El resultado son diez cortes que sorprenden gratamente dejando el listón a punto de caramelo y llevándonos por el Revolver de los Beatles al Physical Graffiti de Led Zeppelín, por ejemplo. El resultado de ése encuentro musical es el álbum "Broken Boy Soldiers", grabado en los estudios de Brendan Benson en Detroit. Su primer sencillo, "Steady as She Goes", apareció en las listas norteamericanas en el número 7 y en el Reino Unido en el número 2. Un super disco para una super banda.
5. Damien Rice - 9 (WeblogMusic): Su música es triste hasta el llanto. Sus canciones son bellas hasta el sobrecogimiento. La banda sonora de una ruptura, de la soledad, del abatimiento en un callejón sin salida. Un día te abrazarás a sus temas, al siguiente te entrarán las ganas de quemar sus grabaciones. Despues de 4 anos de espera,por fin tenemos entre nosotros el nuevo disco del sobreexpuesto cantautor irlandes,abrumado hace unos anos por la aparicion de uno de sus temas en la discutida pelicula Closer. Afortunadamente para todos los que degustamos su folk-pop de cámara, pasional e inflamado, su nuevo trabajo ahonda en lo apuntado anteriormente y sigue los patrones emotivos, románticos y delicados que lo encumbraron. También mantiene las estructuras melódicas y las texturas desnudas de guitarras acústicas, violonchelo, algún que otro piano, más la delicada voz de la imprescindible Lisa Hannigan que tan bien se empasta con la dulzura tonal de Rice. Indie folk de verdad.
6. Snow Patrol - Eyes Open (WeblogMusic): Snow Patrol encara este disco con un perfil más rockero que su antecesor. Las guitarras toman un primer plano que le da contundencia al sonido de la banda que da el balance justo con el ambiente sensible que cuasi predominaba en 'Final Straw'.'Eyes Open' es un buen disco que demuestra la natural y favorable evolución del ahora quinteto escocés. Dejan un poco de lado los tiempos lentos que populaban parte de 'Final Straw' dando más importancia a la aceleración de ritmos y al endurecimiento de su sonido. Las letras de Lightbody siguen siendo completamente honestas, algo melancólicas y reflexivas en las situaciones que se plantea con la madurez necesaria. Martha Wainwright ( Set The Fire For The Third Bar), el coro Celtic Indie Elite y el tecladista Ken Stringfellow (Posies Big Star y REM) aparecen en este tributo que Snow Patrol hace al corazón.
7. Cat Power - The greatest (WeblogMusic) : The Greatest es sin duda el álbum más luminoso y brillante de cuantos ha dado a luz Chan Marshall. A sus 33 años ha dejado atrás la oscura tristeza y profundo desasosiego de sus trabajos anteriores para fabricar un disco de puro soul sureño, cargado del típico sonido Memphis. The greatest, su disco más accesible, en el que mezcla con gran madurez (a sus 33 años) el folk, el jazz, unos toques soul y hasta un poquillo de country clásico ('empty shell') que parece sacado del Shadowland de K.D.Lang. "The Greatest" añade al singular estilo de Chan Marshall todos aquellos elementos que hicieron grandes las grabaciones de Al Green: arreglos de cuerda en clave Funk, suaves coros vocales y los clásicos vientos que caracterizaron el sonido Memphis. Y por cierto, no es un recopilatorio de grandes éxitos como pudiera sugerir el título.
8. Jarvis cocker - Jarvis: Como bien dice, un músico expresa emociones y él, sin duda, una vez más logra plasmar aquella efervescencia polémica, obsesiva, intensa y profunda tan característica del “rey de los inadaptaos”. Aunque este apodo no precisamente embone con sus nuevas letras que de nuevo logran plasmar los deseos y la vida cotidiana de la sociedad. Esta vez, sin embargo, las palabras de Jarvis se dirigen a todos aquellos que tengan inquietudes o ilusiones, a los que están enamorados, a aquellos que disfrutan sufrir, a quienes gozan del “Stormy Weather” (clima atormentado) y a los que les gustan las drogas y el sexo. Tras un largo periodo de tiempo en el que se ha dedicado a recorrer mundo, a mudarse a París y a colaborar en proyectos de lo más variopintos, como Relaxed Muscle, escribiendo las letras del disco de Charlotte Gainsbourg o haciendo aportaciones en discos de homenaje, como el de Leonard Cohen, vuelve Jarvis Cocker en plena forma. Ha hecho falta que regresara con un álbum tan interesante como el magnífico Jarvis para que nos diéramos cuenta de cuanto lo echábamos de menos. No es que sus últimos trabajos con Pulp fueran decepcionantes, ni siquiera mediocres, es que carecían del entusiasmo y el delirio inspiradísimo que ha conseguido recuperar para su nuevo trabajo. Esta vez el “Rey del britpop” deja atrás los himnos a los inadaptados y sus imperfecciones, el mal sexo, las referencias al “St. Martins College”, la ropa interior, los sueños húmedos, el hardcore, la infidelidad, a “Deborah” y nos habla de “Big Julie” para tocar temas que todos, absolutamente todos, enfrentamos. Nos hacen reflexionar, sufrir, deprimirnos un poco y ¿por qué no? nos sirven de excusa para no hacer nada, para escondernos de la vida, como expresa en “Tonite”: “…hiding out of life” (escondiéndose de la vida). Eso sí, lo que Jarvis no podía dejar atrás son las letras sobre frustraciones y su típica ironía hacia la fama. “From A to I” nos recuerda al Jarvis sencillo y desinteresado por el glamour. Nos llama a indagar dentro de nosotros, a conocernos y a hacer algo con nuestras vidas.
9. John Mayer - Continuum (WeblogMusic): Desde que explotó en la escena musical con su disco debut Room For Squares y su secuela, Heavier Things, discos que nos hicieron gozar del pop minimalista con toques de jazz y una letra sencillamente romántica que tornaba sobre los pequeños detalles mundanos de las relaciones. No obstante y sin importar lo genial que fueron estos dos discos, John Mayer escondía un alma adicta al blues. Posteriormente juntó a un trío donde sacó a la luz sus verdaderas inspiraciones musicales y tal parecía que su regreso al pop suave jamás llevaría. Pues lo hizo, y mejor que nunca. El último álbum de John Mayer titulado Continuum fue lanzado el 9 de septiembre de 2006 en Australia, En la Filipinas el 11 de septiembre, el 12 de septiembre en USA y el 16 de Octubre (El cumpleaños de John) en el Reino Unido. El disco fue producido por el mismo, con la ayuda del baterista de John Mayer Trio, Steve Jordan. Mayer describe el álbum como una combinación de la musica pop y del sentimiento, el sonido y la sensibilidad de la música blues. Dos de las canciones que conforman TRY!, repiten en este disco, ellas son la funky "Vultures" y la balada "Gravity". John ha expresado sobre su tercer álbum de estudio: "En toda trilogia, el tercero de la serie es el que lo destaca en todo." Los integrantes del trío han producido una agradable mezcla entre el sonido pop y “amigable a la radio” (radio friendly) e influencias del blues y, en menor medida, soul y funk. El resultado ha sido un sonido único. Los nuevos elementos en el sonido de Mayer (que no son más que el rescate de viejos estilos) se expresan con maestría en cada una de las canciones del disco.
10. Isobel Campbell and Mark Lanegan – Ballard of the broken seas (WeblogMusic): Por un lado, la suave, angelical y femenina voz de Isobel Campbell y, por otro, la áspera, cruda y masculina voz de Mark Lanegan en un disco de un dueto soñado por muchos. Las notables voces de la ex Belle and Sebastian y del ex Screaming Trees se funden en un disco marcado por el blues sin dejar de lado la especialidad instrumental de cada uno. Isobel se encarga de aportar con la delicadeza del sonido de su chelo en ‘Twinpekeseana’ y en ‘The false husband’, y Mark hace lo suyo con el agudo sonido de las cuerdas de su guitarra durante gran parte del disco. Aunque en un principio no parecía que fuese a dar tanto de sí, el disco que han creado juntos Isobel Campbell y Mark Lanegan, como cara y cruz de una misma moneda, apunta a convertirse en uno de los clásicos más peculiares que vaya a dar el “indie” en su vida. La intuición de la Sra. Campbell ha terminado por ser una genialidad. Y su frustrado intento de emparejarse con Tom Waits le llevó a buscar otra alternativa, que tal vez haya resultado aún mejor.
7/9/2006 MUSICA s.XXI - WEBLOG MUSIC
Tecnology, Singles, Records, Artist and Charts
Esta es la presentacion de mi nuevo blog acerca de música, desde hace mucho que tenia la idea de hacer un blog de musica, presentación y critica de discos, singles y artistas, charts, y nuevas tecnologias acerca de este arte. MUSICA s.XXI - WEBLOG MUSIC (Tecnology, Singles, Records, Artist and Charts), es un blog que ira presentando criticas y comentarios de bandas y artistas que lanzaron material a partir de año 2005, por supuesto y como siempre los comentarios estan abiertos para que opinen y recomienden nuevos sonidos. Incluye links a las mejores y mas completas páginas de música, categorias por genero musical, un reproductor multimedia con canciones que ire subiendo de a poco: Bjork, Damien Rice, Emiliana Torrini, Thom Yorke, Camille, Beth Gibbons, Lisa Germano, entre otros y muy pronto descargas.  
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